El viaje más sensorial de Jarmusch en 'Los límites del control'

Si Jim Jarmusch prefiere no explicar qué significa exactamente su nueva película "porque está muy abierta a interpretaciones", tampoco lo intentaremos desde aquí. Lo que sí explica el director es que todo encajaba para rodar en España este extraño y onírico viaje de Los límites del control (The limits of control) una "película de acción sin acción" donde todo es subjetivo y reina la imaginación.

* foto fija: Teresa Isasi-Isasmendi. Copyright Universal Pictures

Así que el año pasado, el 4 de febrero comenzaba el rodaje. Alrededor de seis semanas en localizaciones de Madrid y Andalucía y a toda máquina para terminar en Sevilla el 18 de marzo antes de que se les echara encima la Semana Santa y las procesiones. Jim Jarmusch, director de Bajo el peso de la ley, Ghost Dog o Noche en la Tierra, se acompañó por primera vez del director de fotografía Christopher Doyle (Deseando amar, 2046). Como referencias para The limits of control, el director tenía en su cabeza el cine negro europeo de los años setenta y ochenta, al estilo de películas de Francesco Rosi, y muy en especial A quemarropa (Point Blank, 1967) de John Boorman con Lee Marvin. No es casualidad que bautizaran su productora PointBlank Films.

el cuadro de Madrid que se ve en el Museo Reina Sofía en la película es la vista desde la azotea del edificio Torres Blancas. En la foto, Chris Doyle rodando con la Moviecam Compact de EPC

El primer guión de The limits of control tenía 25 páginas y la intención del director era que fuese creciendo hasta convertirse en la película. No le interesaba trabajar con un guión tradicional y durante el rodaje estuvieron siempre abiertos a los cambios. "Nada estaba cerrado, todo podía cambiar. Y Chris Doyle es un maestro de ese tipo de rodaje, siempre está dispuesto a seguir su instinto. Para mí fue totalmente nuevo porque suelo trabajar con un guión bastante cerrado. De hecho, en éste apenas había diálogos. Escribí los diálogos casi sobre la marcha", explica Jim Jarmusch.

cada persona es un mundo
Además, el director nunca trabaja con un storyboard ni utiliza una lista de tomas. Por eso en The limits of control dice que las localizaciones eran de suma importancia para él y estudió a conciencia la película con Chris Doyle y con el diseñador de producción Eugenio Caballero. "No me refiero al ritmo, sino al estilo; al encuadre dentro del encuadre, objetos encuadrados en puertas, ventanas, arcos; tomas que mezclan intencionadamente el interior y el exterior mediante reflejos", cuenta Jim Jarmusch, y explica lo que querían conseguir con cada encuadre:

"Para Chris y para mí era más bien 'Es la primera vez que veo esto' en oposición a 'Nunca volveré a cruzar esta habitación'. Éramos muy conscientes de esta sensación porque es como vemos el mundo. Queríamos crear algo muy sensorial para que el público, al salir del cine, pudiera ver los objetos de otra forma. Incluso objetos tan cotidianos como una taza de café o el movimiento de la luz en una habitación. William Blake es uno de mis héroes y para él, la imaginación era una religión. Es el mayor don que tiene el ser humano, tanto en la ciencia como en cualquier forma de expresión. La forma en que vemos el mundo, nuestra consciencia de lo que nos rodea, es totalmente subjetiva. Cada individuo tiene la posibilidad de evitar los controles preestablecidos e impuestos".

La escena al principio de la película cuando Isaach de Bankolé se enfada con el camarero -el español Oscar Jaenada- es algo que ocurrió de verdad. Cuenta Jim Jarmusch (dcha) que hace muchos años estaban sentados en un café y el actor pidió dos solos, pero el camarero le trajo un solo doble. Al ver que Isaach se enfadaba tanto, el director le dijo: "¡Pues sí que son importantes para ti esos dos solos!”. Y el actor contestó: “Sé lo que quiero, se lo he dicho y es lo que quiero”. Dice Jarmusch que eso se le quedó grabado. En la foto también, de espaldas, el actor Gael García Bernal durante el rodaje en Andalucía

En cuanto a la estética, no querían una imagen saturada, pero sí querían colores, "aunque quizá más subrayados por el encuadre que por tecnicismos", dice el director. "Cuando Chris descubre algo que le sorprende visualmente, se entusiasma como un niño. Normalmente controlo el encuadre y trabajo muy de cerca con el director de fotografía. Pero hay algo muy plástico en el trabajo de Chris. No sé muy bien cómo explicarlo, tiene una percepción menos rígida que la mía. En el 99% de los casos Chris encuentra un ángulo para la cámara ligeramente diferente del que yo había escogido, y casi siempre es mejor".

equipo de cámara
Y para lograr esa sensación de "cuadro" que buscaban, desde el principio tuvieron claro rodar en 35mm con un negativo y unos objetivos muy específicos. "Si hubiéramos rodado en digital, la película sería diferente aunque los elementos fueran los mismos. Nunca pensamos en hacerlo de otro modo", dice el director, reconociendo que era un poco locura por el ritmo trepidante del rodaje. Y asegura que Chris Doyle es increíblemente rápido trabajando. "Nunca habríamos podido rodar The limits of control dentro de los plazos de no haber sido por Chris. Conseguíamos hacer unos 24 planos en un sólo día, incluso llegamos a rodar 35".

El equipo de cámara lo suministró la casa de alquiler EPC. En la primera unidad, ArriCam ST y Moviecam Compact, y en la segunda unidad Arri 535. En los dos casos con óptica Cooke S-4, y también zoom Angenieux Optimo 24-290mm.

Junto a Christopher Doyle, los profesionales españoles Sergio Delgado como foquista -director de fotografía de Fuga de cerebros, película de la que hablábamos en este blog hace unos meses-; Rodrigo López como auxiliar de cámara y Falkwyn Goyeneche, video assist. También participó Rain Li, director de fotografía de la segunda unidad, quien ya trabajó con Doyle en Paranoid Park (2007), película en la que compartieron dirección de fotografía y reconocimientos.

la producción más compleja
The limits of control es una producción de PointBlank con Stacey Smith y Gretchen McGowan como productoras y Jon Kilik en la producción ejecutiva. Calle Cruzada se hizo cargo de la coordinación de servicios de producción en España, con Patricia Nieto en la dirección de producción. Comenta Stacey Smith, que lleva una década junto a Jarmusch, que ésta ha sido la película más complicada del director logísticamente hablando. "Sus películas tienden a ser más recogidas y menos pobladas. No solemos rodar en aeropuertos y estaciones de tren".

Youki Kudoh iba en un tren hace 20 años en Mistery Train (1989) y Jarmusch quiso volver a contar con la actriz de nuevo en un tren. Tras ella la Arricam ST de EPC. Sólo tenían permiso para rodar un día en el vagón y esta escena requería mucha coordinación con el supervisor de efectos especiales, lo que hizo que fuese un día de trabajo duro. En total, rodaron en tres trenes en movimiento...

"Y tampoco hay helicópteros en las películas de Jim Jarmusch", bromea Smith. Necesitaban uno negro y el único disponible que había en España tuvieron que traerlo del País Vasco. "Fue un día surrealista". En cuanto al avión, lo alquilaron para trasladar el equipo a Andalucía y aprovecharon también para rodar en el interior, lo que les supuso ahorrar un día. "Calle Cruzada nos ayudó a que nuestros traslados fueran sencillos e impecables, además de organizar a un equipo perfecto en cada sitio", dice Gretchen McGowan.

localizaciones
La Madrid Film Commission participó activamente junto con Calle Cruzada en la agilización de la obtención de los permisos de rodaje y diversos trámites. Y es que las localizaciones elegidas en Madrid son lugares tan emblemáticos como el aeropuerto de Barajas -donde comenzó el rodaje-, la estación de Atocha, el edificio Torres Blancas, el Museo de Arte Reina Sofía, la calle Barquillo, el piano bar Tony2, el restaurante Casa Patas o la Plaza de San Ildefonso en el corazón del barrio de Malasaña. "La Madrid Film Commission nos fue de gran ayuda. Un amigo de Jim, Chema Prado, director de la Filmoteca Española, también hizo posible muchas cosas", explica Stacey Smith.

Cuenta el director Jim Jarmusch que todo encajaba para rodar en España. Su amigo Chema Prado, además de haber sido su asesor cultural en The limits of control, tiene un piso en las Torres Blancas de Madrid y ya la primera vez que estuvo allí hace 20 años le pareció un edificio increíble, y le gustó el estilo años sesenta. Es la casa donde se aloja Isaach de Bankolé, el Solitario y misterioso protagonista. Por otro lado, le habían hablado de una casa en la zona de San José (Almería), "una casa muy rara" donde seguro le gustaría rodar. Y así fue, rodaron en medio del desierto, día y noche, y con vendaval incluido. Es la casa del Americano -que interpreta Bill Murray- en la película. En la primera semana de marzo 2008 también rodaron en localizaciones de Abla, Senés, la estación de Doña María...

Además, Jim Jarmusch tenía en la cabeza Sevilla, que ya visitó en los años 80 y cuya luz le atraía. Allí tuvo lugar la última semana de rodaje, en el centro, en Triana, el Muelle de la Sal o la estación de Santa Justa, entre otros escenarios naturales. De hecho, toda la película vemos decorados naturales. El único que se construyó fue precisamente en Sevilla, en uno de los edificios del área de la Exposición Universal, para la escena final del Americano.

es como un juego...
The limits of control es como un juego que se va construyendo a base de elementos misteriosos que se repiten y de variaciones -como recurso de expresión artística- con los diferentes personajes. Entre ellos, además de Óscar Jaenada, está Luis Tosar con el personaje de Violín. Porque en la película no hay nombres, y en los créditos a todos se les menciona como si fueran títulos de cuadros: Solitario, Criollo, Francés, Camarero, Violín, Desnuda, Rubia, Moléculas, Guitarra, Mexicano, Conductora, Americano. En cuanto al título de la película, surge de un ensayo de William S. Burroughs escrito en los años setenta que habla del idioma como mecanismo de control:

“Las palabras aún son las principales herramientas de control. Las sugerencias son palabras. Las persuasiones son palabras. Las órdenes son palabras. No se ha inventado una máquina de control que funcione sin palabras, y cualquier máquina que intente controlar basada totalmente en la fuerza externa o el control físico no tardará en toparse con los límites del control”.

Aunque le hizo reflexionar acerca de cómo se perciben las cosas y cómo se intenta controlarlas, dice Jim Jarmusch que no ha usado el contenido del ensayo en la película, sólo el título: The limits of control.

'Gordos', la Genesis y Juan Carlos Gómez

Gordos, la nueva película de Daniel Sánchez Arévalo que producen Tesela PC y Filmanova, se estrenó el 11 de septiembre en cines tras pasar por el festival de Venecia. Juan Carlos Gómez firma la dirección de fotografía al igual que hizo en la ópera prima del director, Azuloscurocasinegro, y aunque le pillamos ya inmerso en un nuevo rodaje, ha sacado un ratito para hablarnos de la Genesis, la cámara con la que ha rodado Gordos, y su experiencia. Porque si alguien conoce bien la Panavision digital es él. Ya rodó con muy buenos resultados Tocar el cielo -también una producción de Tesela-, y la decisión de volver a trabajar con la Genesis ha venido dada fundamentalmente por la calidad que aporta la cámara, cuenta el director de fotografía.

sencillez y calidad Genesis
"Destacaría que tiene una colorimetría muy buena y la latitud es extraordinaria", dice Juan Carlos Gómez. "Y esa combinación de latitud y colorimetría yo creo que es lo que la hace más especial. Eso junto con la óptica de Panavision, que es la mejor. La Genesis es una de las cámaras digitales que más calidad tiene, está en primera línea en este sentido". En Gordos, la Genesis iba acompañada de ópticas Panavision Primo, equipo suministrado por EPC.

Juan Carlos Gómez con la Genesis en Cantabria. Junto a él, su ayudante de cámara Satur Beltrán (dcha) y el director

Gordos se ha grabado en formato SR 4:4:4 y esto, además de aportar un margen de corrección muy amplio en etalonaje, se traduce en que el resultado final tras el filmado tiene calidad similar al 35mm. "En un cine con gran pantalla se nota mucho que la compresión que tiene la Genesis en SR no es muy grande, notas la definición y la resolución que tiene la cámara. Algo que con otros tipos de cámara HD es donde más se acusa, que en pantallas muy grandes flaquean".

Juan Carlos Gómez considera que la Genesis de Panavision está pensada para gente que viene del cine, del 35mm. "El sensor, el CCD es de 35mm, la profundidad de campo y todo lo que tiene que ver con el rendimiento óptico es exactamente igual que en 35mm. Y el rango y la calidad que tiene es excepcional". El director de fotografía recuerda que en Tocar el cielo tuvieron que rodar en 35mm y con Genesis, y se pueden comparar las imágenes al mismo nivel de calidad. "Mezclaron muy bien las dos. El rendimiento de la Genesis es muy bueno", asegura.

Y en cuanto a manejo, le resulta una cámara muy sencilla. "Tiene unos menús muy resumidos, que los ha desarrollado Sony, y que van directamente al grano, cosa que facilita mucho el trabajo. Tú tienes una serie de parámetros que puedes tocar pero que son los que realmente necesitas tocar. La filosofía de trabajo es en logarítmico y, a partir de ahí, tu señal la manipulas en postproducción, en etalonaje. Esa filosofía te lleva a que todo sea muy simplificado en términos técnicos".

Daniel Sánchez Arévalo con la Genesis

rodaje intermitente
Además, explica Juan Carlos Gómez, el hecho de rodar en digital facilitaba mucho el trabajo en un proyecto de mucha envergadura como es Gordos. "Daniel es una persona que rueda bastante, que hace pruebas con los actores, y el hecho de no tener que estar pendiente del negativo suponía una opción muy interesante para producción, para el director y para todos", comenta.

Nueve semanas y media es el tiempo de rodaje que se dedicó a Gordos intermitentemente a lo largo de diez meses de trabajo. Como decía a los medios José Antonio Félez, productor junto con Antón Reixa, y también responsable de la producción ejecutiva de Gordos, este rodaje ha sido probablemente el más largo de una película española. El 18 de octubre del año pasado se ponía punto y final tras un laborioso proceso compuesto de cinco fases que se hacían obligatorias para ir plasmando la evolución en el cambio físico real de algunos de los protagonistas, que engordaron y adelgazaron siguiendo un régimen personalizado, entre ellos, Antonio de la Torre que tuvo que engordar 30 kilos para luego perderlos.

La primera y segunda fase de rodaje se desarrollaron hace cerca de dos años entre diciembre de 2007 y el 24 de enero de 2008. La tercera fase y más larga fue en abril del año pasado durante seis semanas. Se rodaron los pocos exteriores de Gordos en Cantabria, entre Santander y Torrelavega, en escenarios como la península de La Magdalena, el Hospital Valdecilla, el camping de Cabo Mayor o el centro comercial Valle Real. Y luego se continuó en Madrid. Después se rodó en julio, y la quinta fase durante dos semanas en octubre 2008.

una película de encuadres
Sobre el lenguaje de la cámara, comenta Juan Carlos González que en Gordos no había una propuesta genérica sobre si la cámara iba a estar o no en movimiento. "Es una película que busca mucho el encuadre. La película tiene movimiento pero tampoco excesivamente. A veces el encuadre es un cuadro fijo o una composición un tanto, digamos, osada", explica. "Daniel tiene una forma muy particular de contar historias, y muchas veces busca encuadres que no son muy comunes".

Pero siempre, como escribe Daniel Sánchez Arévalo en sus notas, buscando la belleza incluso donde nadie cree que pueda haberla. "Quiero que mis gordos sean guapos, ágiles, gráciles, divertidos de mirar, que nos enamoren, que nos atrapen, que nos emocionen, que tengan luz. No quería hacer una película fea, oscura y sucia. Quería hacer una película luminosa, estética y plástica", explica el director, que también comenta, esta vez en una entrevista en Cameraman, que Juan Carlos Gómez tenía libertad para buscar y encontrar la luz y los colores en base a lo que él quería contar.

creando luz día a día
La colaboración del director de fotografía con Daniel Sánchez Arévalo empezó con el cortometraje Física II (2004) y desde entonces han formado tandem. Juan Carlos Gómez lleva muchos años de experiencia tras la cámara y tras la luz. "Empecé muy joven y estás en esta profesión por vocación, porque encuentras una motivación en algo que te gusta mucho, que es la luz", dice.

Juan Carlos Gómez (dcha) y Daniel Sánchez Arévalo han colaborado además de en los dos largometrajes del director, en los cortos Física II, La culpa del alpinista y Traumalogía

Entre su extensa filmografía en largo, Juan Carlos Gómez firma la fotografía de películas como El Bola (2000) y Noviembre (2003), de Achero Mañas, o Elsa y Fred (2005) de Marcos Carnevale, director también de Tocar el cielo (2007). Junto con Gordos, este año se han estrenado otros dos de sus trabajos, Agallas y No-Do, y desde hace una semana está volcado en el rodaje de Verbo, la ópera prima de Eduardo Chapero Jackson. Cuando le preguntamos si hay algo que le haya supuesto un mayor reto, sonríe y tras unos segundos dice... "el día a día".

equipo de cámara
Además de la Genesis como cámara principal, en Gordos se rodó con otras cámaras determinadas secuencias como las de la teletienda con la Sony 750, buscando una textura diferente, más sucia. Un equipo que también suministró EPC junto con la Arri 435ES acompañada de sistema Scubacam para las escenas rodadas bajo el agua en piscina.

En el equipo de cámara de Gordos, junto a Juan Carlos Gómez, como ayudantes de cámara, Saturnino Beltrán y Miguel Ángel Guijarro, con Roberto Ruiz como auxiliar de cámara. Técnicos de HD, Luis Miguel Fernández y David Girón; y video assist, Laura Sipán y Paco Ponce de León. Como operador de cámara 2ª unidad, Juanjo Sánchez, con Luis Miguel Pulido como ayudante de cámara y Clara Sancho, video assist.

la web
También en el equipo técnico, Óscar Vigiola como director de producción, Curru Garabal en la dirección de arte, e Iván Bejumea-Rey como coordinador de postproducción. Podéis ver todo el equipo técnico y artístico, y galería de fotos y el trailer de la película en la web oficial de Gordos.

'El Baile de la Victoria' de Trueba da el primer paso hacia los Oscar

El Baile de la Victoria de Fernando Trueba ha sido elegida por la Academia de Cine candidata para representar a España en la categoría de Mejor película de lengua no inglesa en la 82 edición de los Oscar. Es el primer paso. En enero, la Academia de Hollywood dará a conocer una primera selección de nueve películas y si El Baile de la Victoria está entre ellas, luego sabremos el 2 de febrero si concursará en los Oscar. Hoy, en la Academia de Cine española, decía Fernando Trueba, que ya ganó el Oscar por Belle Epoque en 1994 y se lo dedicó a Billy Wilder, que si ganase de nuevo se lo dedicaría a todo el equipo. "Porque con los años he ido apreciando más el esfuerzo del equipo, de gente que hace más de lo que, por contrato, debería".

rodaje en Chile
El Baile de la Victoria se ha rodado cien por cien en Chile en 35mm. Y se optó por llevar desde España el equipamiento de cámara EPC. Rodaron con la Moviecam Compact MK2, ópticas Cooke S-4 y zoom Angenieux 24-290. Para la dirección de fotografía, Fernando Trueba contó con Julián Ledesma ('Mex'). Y también tras la cámara estaba Daniel Vilar como segundo operador.

Durante las once semanas de rodaje de El Baile de la Victoria, desde el 28 de julio al 20 de octubre del año pasado, el equipo hizo un viaje al corazón de Santiago de Chile recorriendo sus lugares más céntricos y el mundo alrededor de la Plaza de Armas. Pasajes peatonales, edificios antiguos medio abandonados o casas modernas, la escuela de ballet nacional en el Teatro Municipal y el Club de hípica... y también sitios más clandestinos como un hotel de parejas -el Hotel Love-, o el cine porno Nilo. Lo cuenta Miranda Bodenhofer, la actriz protagonista junto con Ricardo Darín y Abel Ayala, en el blog que ha escrito en primera persona, y donde también hay un reportaje de TVE -que colabora en esta producción- con momentos del rodaje.

En El Baile de la Victoria hay además bellas localizaciones de la costa y el equipo se adentró en la Cordillera de Los Andes, completamente nevada porque rodaron en pleno invierno austral. Lo vemos en la foto de EFE publicada en El Mundo con el director en alta montaña.

Fernando Trueba con la Moviecam Compact MK2 de EPC en un momento del rodaje en Chile. se puede ampliar (Foto fija: Constanza Valderrama)

la visión de Trueba
El Baile de la Victoria es la adaptación cinematográfica de la novela homónima de Antonio Skármeta ganadora del Premio Planeta en 2003. El guión está escrito por Fernando Trueba y por primera vez con su hijo Jonás Trueba. Y dice el director que hubo mucha química. "Él tenía la edad del personaje joven y yo la del personaje maduro. Trabajamos en una gran armonía".

El propio Antonio Skármeta participó también en la elaboración del guión pero no como "comisario que está allí para vigilar que el director no se aparte del texto", dice el escritor chileno, sino para hacer una "re-visión" de lo que el director "veía". En ese proceso entendió lo que Trueba quería decir con ver. "Comunica imágenes 'completas' donde no falta un concepto de la luz que tendrá la escena, del gesto de los actores, del ángulo de la cámara, y sobre todo, de la música, la bendita música que hacía que ambos nos sintiéramos personajes de un film que ya tenía sonido", explica Antonio Skármeta. "A su espontaneidad une una cultura cinematográfica tan inmensa, tan en la punta de los dedos y la lengua, que es capaz de hacerte 'ver' lo que piensa hacer con la escena ilustrándote con referencias a momentos de cientos de películas".

historia de amor con humor y drama
El baile de la Victoria, que se estrena en cines el 27 de noviembre, está ambientada en la época del retorno de Chile a la democracia en 1990, cuando se decretó una amnistía para los presos sin delitos de sangre. Y los dos ladrones de esta historia tienen distintos planes en su reencuentro con la libertad. Fernando Trueba describe su nueva película como "un thriller con toque de comedia y western, hecho para la gente desde el corazón". Porque aunque con elementos de tragedia, humor y cine negro, sobre todo es una historia romántica.

Es una producción de Fernando Trueba PC con Jessica Huppert Berman como productora y Cristina Huete en la producción ejecutiva. También en el equipo técnico, Eduardo Castro como director de producción, Verónica Astudillo en la dirección artística y Carmen Frías se ha hecho cargo del montaje.

Nueva temporada y "los mejores capítulos" de Plutón BRB Nero

La 2ª temporada de Plutón BRB Nero comienza esta noche. La cita televisiva será de nuevo los miércoles en La 2, pero un poco antes, a las 23:00 horas. Trece nuevos episodios de la sitcom más galácticamente enloquecida de Álex de la Iglesia, rodada en soporte cinematográfico y producida por Pedro Costa PC y Pánico Films para TVE.

lo que vamos a ver...
En esta nueva temporada, ha avanzado Álex de la Iglesia, los personajes y las tramas se complican y retuercen en un bucle infernal. Y añade: "Podréis disfrutar de los mejores capítulos de la serie y de algunos de los mejores momentos de mi carrera como director de comedia. Nunca me he divertido tanto rodando y a la vez nada me ha costado tanto esfuerzo. Para realizar la serie llegamos a trabajar una media de 16 horas diarias durante varios meses. Vivíamos literalmente en esa nave espacial. Espero que todos esos momentos no se pierdan como lágrimas en la lluvia, y que podáis disfrutarlos como yo disfruté al rodarlos. Pasará mucho tiempo hasta que una nueva tripulación española intente conquistar las galaxias…"

TVE mantiene el sitio web de Plutón BRB Nero donde se puede visionar el final de la primera temporada, el capítulo 13, para estar con las pilas puestas, entre muchos otros contenidos. Y en concreto, sobre lo que veremos este miércoles, tomando también las palabras de Álex de la Iglesia en su blog... "El primer episodio, Tiempos revueltos, llama la atención técnicamente, si consideramos que lo rodamos en cuatro días y medio. Tenemos peleas de espadas, extraterrestres, diferentes acciones paralelas, un guepardo... Roswell se calza a todo un planeta, dejando cien millones de hijos..." Suficiente. Y además, como dice el director, mejor no "destriparlo".

sobre el rodaje
Plutón BRB Nero se rodó el año pasado en los estudios Odeón de Madrid, donde se construyeron los decorados de la nave en la que transcurre la acción. Se rodaron 26 capítulos seguidos, una auténtica maratón de cine. Tras los 13 primeros episodios, y de forma ininterrumpida, se comenzó el 22 de septiembre -hace justo un año- el rodaje de la segunda entrega que se estrena hoy.

El Sensor contaba en su día que la serie se rodó en Super 16, con la Aaton Xterà y óptica Zeiss 1.3, equipo suministrado por EPC. Y que en la dirección de fotografía estaba José Luis Moreno 'Moti' acompañado de Raúl García, segundo operador, y con Jon Barco, Cristina Rodríguez y Usue Sanz como foquistas. Y contábamos más cosas por si alguien quiere echar un vistazo a los detalles del rodaje y el equipo técnico de Plutón BRB Nero...

Cortogenia vuelve tras el verano el 23 de septiembre

Este miércoles 23 de septiembre Cortogenia celebra una nueva sesión de cortometrajes dentro de su 10ª temporada en el Cine Capitol de la Gran Vía madrileña. Cuatro cortos nacionales a competición, y un corto internacional fuera de concurso. Y las invitaciones se pueden conseguir gratuitamente mediante solicitud online. EPC lleva varias ediciones apoyando este certamen en el que a final de año volverá a entregar premio a la mejor dirección de producción. Ya queda poquito... Y aún se pueden presentar cortometrajes hasta el 15 de octubre según marcan las bases de Cortogenia.

el programa del miércoles...

* fotogramas de los cinco cortometrajes por orden de mención

RECUERDOS A WIFLY - 14 minutos
Albert Oliver Serna escribe el guión y dirige el cortometraje que nos cuenta la historia de Tony, que regresa al lugar en el que creció para saber qué ha pasado con Wifly, su amigo de la infancia. En la dirección de fotografía, Christian Moyés, y en la producción, Escándalo Films.

YA NO VOY A HABLAR MÁS - 3 minutos
Ana ha decidido que no va a hablar más, porque hablar no sirve para nada... Éstas son las claves que tenemos de la nueva película corta de Ugo Sanz Rodero, de hecho, es la más corta del director de los cortometrajes Los ojos de Alicia (2005), El prestidigitador (2006) y No es una buena idea (2007). En esta ocasión coescribe el guión con Beatriz Gordo. Y para la dirección de fotografía ha contado con Jon Díez. Produce Basque Film Services, con Carlos Juárez como productor.

MAÑANA - 10 minutos
Las guionistas Alegría Collantes y Estíbaliz Burgaleta vuelven a hacer tandem para dirigir el cortometraje Mañana, como ya hicieron con Bichos raros (2006). Nos cuentan una historia en tono de comedia sobre eso de que "apuntarse al gimnasio, dejar de fumar, aprender inglés, empezar una dieta, hacer parapente, barrer debajo de la cama, decirle a tu novia que la dejas... Todo, siempre, es mejor hacerlo mañana". En la dirección de fotografía, Fernando Fernández. Y es una producción de La Fiesta PC con Nico Matji como productor.

PULSIONES - 14 minutos
Sólo sabemos que "Carlos tiene un problema". Bueno, y que se trata del nuevo corto de José Manuel Carrasco, el director de Padam, que estuvo nominado en los Goya 2008 en la categoría de cortometrajes de ficción, y también acaba de rodar este verano El diario de Carlota, su primer largometraje. Pulsiones es una producción de Malvalanda, con Mª del Puy Alvarado y Penélope Cristóbal como productoras. Y en la dirección de fotografía está Patricia Prat, que también firma la fotografía de otro corto de José Manuel Carrasco, Consulta 16.

Y el corto internacional fuera de concurso es FATHER AND DAUGHTER una historia animada de 8 minutos que se llevó el Oscar de animación, el BAFTA y el Cartoon d'Or entre otros muchos reconocimientos en festivales de animación. Con dirección y guión de Michael Dudok de Wit.