La atmósfera de fábula de Álvaro Gutiérrez en 'Mal día para pescar'

"Las cosas son tan difíciles en un rodaje como las metas que te hayas planteado para el mismo", dice el director de fotografía Álvaro Gutiérrez. Y en su último trabajo en largo, la ópera prima de Álvaro Brechner, Mal día para pescar, se pusieron el listón muy alto. "En esta película fue todo complicadísimo porque fuimos muy ambiciosos. Creímos en todo momento en lo que estábamos haciendo. La sensación era que teníamos un gran proyecto entre manos y eso era una gran responsabilidad".

Esta implicación dio sus frutos porque Mal día para pescar no pudo empezar con mejor pie su recorrido. Se estrenó en la Semana Internacional de la Crítica de Cannes 2009, sección consagrada al descubrimiento de nuevos talentos a la que sólo acceden siete películas elegidas entre producciones de todo el mundo. A partir de ahí, esta coproducción hispano-uruguaya de Telespan 2000, Baobab Films y Expresso Films, ha sido invitada a más de 40 festivales internacionales, preseleccionada para representar a Uruguay en los Oscar como película de habla no inglesa, y hace dos semanas arrasaba en los premios de la Asociación de Críticos de Cine de Uruguay con diez premios, entre ellos, a la mejor fotografía para Álvaro Gutiérrez. Él nos cuenta -desde Buenos Aires donde ahora está rodando nueva película- algunos apuntes de este trabajo, que se ha estrenado el 11 de diciembre en cines españoles, y en el que se ha buscado un sello personal.

La historia de Mal día para pescar se basa en el cuento Jacob y el otro del escritor uruguayo Juan Carlos Onnetti. Está rodada íntegramente en Uruguay el verano de 2008 durante algo más de siete semanas. Arrancó el 4 de agosto en la estación de trenes de Colón de Montevídeo, y además de la capital uruguaya se ha rodado en localizaciones de San Carlos, Minas, Solís de Mataojo y Villa Soriano.

formato de cuadro 2.35 y Hawk V
Eligieron rodar en 35mm así que hasta Uruguay también viajó el equipamiento de cámara de EPC, una Moviecam Compact con ópticas anamórficas Hawk serie V, además de una Arriflex 35BL-4 entre otros accesorios. "La historia respira un aire de cine clásico que nos costaba imaginar en soporte digital", cuenta Álvaro Gutiérrez. "En mi opinión, las texturas que proporciona el celuloide nos ayudaban a que la imagen mantuviera esa cualidad. Además, la historia no requería pasar por proceso digital de postproducción, a excepción de un par de planos puntuales, así que teníamos la oportunidad de realizar un etalonaje fotoquímico".

el realizador uruguayo afincado en Madrid, Álvaro Brechner, pegado a la Moviecam

También les encajaba en su planteamiento estético rodar en anamórfico. "Yo ya había trabajado con las Hawk Serie V de EPC. Rodamos unas pruebas para probar las Compact también y compararlas, pero al final nos decidimos por la Serie V", recuerda.

"La historia nos parecía que tenía mucho de fábula. El luchador y su mánager, que llegan a un pueblo en algún lugar del sur de América ofreciendo un desafío de 1000$... El formato de cuadro 2.35 y, sobre todo, la textura de la lente anamórfica, creo que eran decisiones básicas en cuanto a herramientas de cámara", explica Álvaro Gutiérrez.

luz expresionista
En cuanto al lenguaje visual, el realizador Álvaro Brechner le pidió ser lo más narrativo posible. "Que la luz y el encuadre, al igual que todos los demás elementos, ayudasen a contar la historia y los estados de ánimo", explica Álvaro Gutiérrez.

Como referencias trabajaron con los ambientes de dibujos de Jack Vettriano y fotografías de Gregory Crewdson. "Aunque sólo fue el punto de partida. Durante la preproducción fuimos diseñando nuestra propia paleta de colores y atmósferas. Me gusta empezar muy al principio de la preproducción con referencias visuales pero luego hay que ir olvidándose de ellas y desarrollar algo más personal".

Para Álvaro Gutiérrez, crear el pueblo de Santa María, el lugar imaginario donde transcurre la película, era una tarea complicada y de gran responsabilidad. Por eso, su intención no fue hacer una luz realista sino encontrar una visión diferente que le diera carácter a Mal día para pescar. "Buscábamos una luz algo expresionista con una intensa gama cromática. Utilicé una luz dura para varias secuencias con sombras muy marcadas y nos permitíamos ciertas licencias fotográficas para crear ese universo propio de fábula que tiene la película".

el punto violeta
En algunas secuencias noche, el director de fotografía utilizó una gelatina que se llama Rose Purple con un resultado que forma parte ya de las señas de identidad visual de esta película. "Es un color intenso y difícilmente pasa inadvertido pero ayudaba puntualmente a representar la inestabilidad en ciertos momentos del personaje del luchador, Jacob Van Oppen. Brechner y yo escogimos esta gelatina después de barajar otras posibilidades dentro de esa misma gama de violetas. Es un color que produce hasta cierta incomodidad, y pensamos que nos vendría muy bien. La utilicé de forma narrativa sin intentar justificarla. Se convierte en parte de Santa María y el entorno de los personajes".

Carlos Catalán preparado para operar la Moviecam Compact con lentes anamórficas Hawk serie V de EPC

cámara sutil y encuadres sólidos
Junto a Álvaro Gutiérrez estaba Carlos Catalán, que fue el operador de cámara para casi toda la película y también se encargó de fotografiar la segunda unidad.

"La mayor parte de la película está contada desde una cámara muy estable. La movíamos bastante, pero siempre con una intención narrativa y de forma muy sutil, muchas veces casi imperceptible, con encuadres sólidos", cuenta el director de fotografía. "También hicimos un par de grandes movimientos de grúa que al ser poco utilizada añadieron mucho más dramatismo a las dos secuencias y fue muy efectivo". Y para los momentos de lucha libre de la película, mezclaron la cámara más estable con planos de cámara en mano.

Junto a Álvaro Gutiérrez y Carlos Catalán, el resto del equipo de cámara lo formaban técnicos uruguayos. Pablo Berti, foquista, José Bonica, auxiliar y Erika Levi como meritoria de cámara. También en el equipo, Alejandro Noya, maquinista, y Quique Álvarez, jefe de eléctricos.

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LA PRODUCCIÓN
Mal día para pescar ha contado con Tomás Cimadevilla, el propio Álvaro Brechner y Virginia Hinze en la producción ejecutiva (Telespan 2000, Baobab Films y Expresso Films). Y como directores de producción, Virginia Hinze y Pablo Ramírez. El guión, basado en el cuento de Onetti, está escrito por Álvaro Brechner con la colaboración del actor Gary Piquer, a quien vemos dentro de su deslumbrante bólido rojo en su papel de Príncipe Orsini, junto con Álvaro Gutiérrez.
Para presentar la película, tomamos prestadas las palabras del delegado general de la Semana de la Crítica de Cannes 2009, Jean-Christophe Berjon: "Mal día para pescar es una película de género que es la película ‘placer’ de la selección. Una obra sobre una gran estafa, y al mismo tiempo un clima entre el western y la historia popular. Está magníficamente construida de la A a la Z, es brillante y hace soñar”. Y con intriga y suspense hasta el final...
ver teaser 30' Mal día para pescar


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con la mirada atenta
De este rodaje, Álvaro Gutiérrez se queda con todo lo aprendido, la gente nueva y no tan nueva con la que trabajó, "y la sensación de estar haciendo algo interesante que es muy reconfortante", asegura. No es la primera vez que trabajaba con Álvaro Brechner, que además de realizador y guionista es fundador de la productora madrileña Baobab Films. Los dos "álvaros" ya formaron tandem en el cortometraje Segundo aniversario (2007).

el director de fotografía Álvaro Gutiérrez, el actor Gary Piquer, y el realizador Álvaro Brechner dentro del travelling circular en la localización donde se rodaron algunas de las escenas de lucha libre

Del trabajo de Álvaro Gutiérrez destaca especialmente la fotografía de Bajo las estrellas (2007) por la que fue nominado en los Goya 2008. Precisamente en Mal día para pescar se ha vuelto a reunir parte del equipo de aquella película, Gustavo Ramírez (dirección artística) y Mikel Salas (música), además de Carlos Catalán. Otro de sus trabajos recientes es la fotografía de Miente (2008), corto ganador del Goya 2009 en ficción. Y como decíamos al principio, ahora está en Buenos Aires, donde estará rodando hasta febrero el nuevo largometraje de Diego Lerman, Ciencias morales. Y seguro que con la mirada bien atenta porque como dice Álvaro Gutiérrez, "en cada rodaje aprendes cosas nuevas, eso no creo que nunca deje de pasar".

'On the line' gana el premio EPC y triunfa en Cortogenia

Un año más en su apuesta por el talento y la labor de producción de las historias cortas, EPC ha vuelto a entregar el premio a la mejor dirección de producción en la gala Cortogenia celebrada este miércoles 16 de diciembre en el cine Capitol de Madrid. En esta décima edición, el jurado ha premiado la producción de On the line, un corto dirigido por Jon Garaño con Asier Acha y José Mari Goenaga como productores.

El director general de Equipos Profesionales Cinematográficos, Óscar Pérez Medina, fue el encargado de entregar el trofeo Cortogenia a la mejor dirección de producción a José Mari Goenaga junto con un premio de 3000 euros de descuento, sobre precio de tarifa, en material de alquiler de EPC que podrán utilizar en próximas producciones.

On the line (2008)
Dirección y guión: Jon Garaño; Producción: Moriarti Produkzioak; Productores: Asier Acha, Jose Mari Goenaga; Fotografía: Javier Agirre; Dirección artística: Menó Martín; Montaje: Raúl López; Música: Pascal Gaigne; Sonido: Iñaki Díez, Javi Alonso; Efectos especiales: Íñigo Oliden; Intérpretes: Jeff Smallwood, Yvette Filanc, Mikel Morris, Tania De la Cruz; SINOPSIS: Un sábado cualquiera en el sur de California. El protagonista, un norteamericano de clase media-baja, se despide de su familia para acometer su tarea semanal, un cometido que entraña sacrificios pero que él desempeña con la sólida convicción de sus ideales; Duración: 12 min.;

falso documental
Jon Garaño, director y guionista de On the line, explicó en la gala que la primera idea para este cortometraje fue hacer un documental y que, años más tarde, gracias a Moriarti y a otros colaboradores, el resultado ha sido este otro corto. Una historia sobre el patriotismo exacerbado y la inmigración contada con planteamiento y estética de reportaje documental para TV. "No sé cómo habría funcionado como documental, pero este corto nos está dando muchas alegrías", dijo el realizador.

1er Premio Cortogenia
Y lo cierto es que con la gala Cortogenia sumaron unas cuantas alegrías más porque On the line se alzó también con el Primer Premio Cortogenia -el máximo galardón del certamen que organiza Great Ways-, y con los premios a la mejor dirección artística y a la mejor música.

En la foto, José Mari Goenaga, responsable de la producción de 'On the line' -junto con Asier Acha- haciendo los agradecimientos tras recoger el premio que otorgaba EPC en Cortogenia

más ganadores
Los otros dos grandes ganadores de Cortogenia 2009 han sido Lala, dirigido por Esteban Crespo, que se ha llevado premios a la mejor dirección, mejor guión y mejor montaje, y La rubia de Pinos Puente, dirigido por Vicente Villanueva, que ganó el premio del público y los premios a mejor interpretación masculina y femenina.

La mejor fotografía, premio que otorga Kodak División de Cine Profesional y que suma película negativa por valor de 2.500 euros al trofeo Cortogenia, ha sido para Di me que yo, un cortometraje dirigido por Mateo Gil con Josu Intxaustegui en la dirección de fotografía.

En la foto, Óscar Pérez Medina, director general de EPC, en el cine Capitol desvelando el ganador del premio a la mejor dirección de producción

sesión continua... de risas
Como ya empieza a ser tradición, la gala de premios de Cortogenia volvió a ser una sesión gratuita no sólo de cine sino también de risoterapia, que no viene nada mal, de la mano del presentador Nacho Rubio. Este año, además de cantar el cumpleaños feliz a Cortogenia por su décima edición, y de volver a cantar el villancico que se inventó en la gala del año pasado a ritmo de Cortilandia, también tuvo oportunidad de sentirse uno más entre los premiados. El cortometraje El sobrino, dirigido por Nacho Blasco, donde el polifacético conductor de Cortogenia es protagonista y también productor, ganó el premio al corto con mayor proyección internacional.

EL JURADO
Este año Cortogenia contó con la colaboración de realizadores como Daniel Sánchez Arévalo (Gordos), y Antonio Naharro (Yo, también), que subieron a entregar premios en la gala del Capitol. Los dos han sido integrantes del Jurado Cortogenia 2009 junto con el productor Jesús Liedo, el director de fotografía Santiago Racaj, el director artístico Miguel Ángel Rebollo, y Millán Vázquez-Ortiz (jurado especial del premio Freak). También subió al escenario a entregar premio el realizador Eduardo Chapero-Jackson, que este otoño ha dado el salto al largo y ha rodado su ópera prima Verbo en HD con la nueva Arri D-21 de EPC.

PALMARÉS CORTOGENIA 2009

1º PREMIO
On the line, dirigido por Jon Garaño

PREMIO DEL PÚBLICO
La rubia de Pinos Puente, dirigido por Vicente Villanueva

MEJOR DIRECCIÓN
Lala, dirigido por Esteban Crespo

MEJOR GUIÓN
Lala, con guión de Esteban Crespo y Gustavo Prieto

MEJOR FOTOGRAFÍA
Dime que yo, con Josu Intxaustegui como director de fotografía

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN
On the line, con Asier Acha y Jose Mari Goenaga en la producción

MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA
La rubia de Pinos Puente, con el actor Font García

MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA
La rubia de Pinos Puente, con la actriz Carmen Ruiz

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO A INTERPRETACIÓN FEMENINA
La Tama, con la actriz Rocío de Monteagudo

PREMIO A LA MEJOR MÚSICA ORIGINAL
On the line, con música de Pascal Gaigne

MEJOR MONTAJE
Lala, con montaje de Vanessa L. Marimbert

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA
On the line, con Menó Martín en la dirección de arte

MEJOR SONIDO
Tu A(mor), con Nacho Arena tras el sonido

PREMIO AL CORTO CON MAYOR PROYECCIÓN INTERNACIONAL
El sobrino, dirigido por Nacho Blasco y producción de Nacho Rubio

PREMIO FILMOTECH
La patrulla perdida, dirigido por Guillermo Rojas

EPC incorpora a su división de cámaras HD la Arriflex D-21

EPC ya tiene disponible en alquiler la cámara de cinematografía digital Arriflex D-21, la primera que se compra en España. Es una cámara puntera para producciones de cine y televisión de calidad, que viene avalada por el saber hacer de un fabricante como Arri con mucha historia en la industria del cine en 35mm y 16mm. Precisamente, la Arri D-21 se caracteriza porque lleva visor óptico y obturador mecánico heredados de las cámaras de cine Arri, además de tener montura PL para ópticas 35mm. Registra la máxima calidad de imagen 4:4:4 RGB en cinta en formato HDCAM SR con el magnetoscopio portátil SRW-1, y puede grabar en velocidad de cuadro variable de 1 a 60 fps. Además, incorpora su propia curva de gamma, la LogC, con la que la cámara puede captar la máxima información tanto en las bajas como en las medias y altas luces.

un largo y un corto
Ya recién llegada, la Arri D-21 no se ha hecho desear y ha estado de rodaje este otoño en localizaciones de Madrid. Primero en el rodaje de la ópera prima de Eduardo Chapero-Jackson, Verbo, una producción de Apaches y Telecinco Cinema, donde la Arri D-21 ha estado en manos del director de fotografía Juan Carlos Gómez (con quien hablábamos hace poco sobre su trabajo en Gordos). Y en la última semana de noviembre, el director de fotografía David Azcano (biznaga de plata por la fotografía de Concursante) ha rodado con la Arri digital el cortometraje Panchito.

Fuera de nuestras fronteras, la Arriflex D-21 está teniendo una gran aceptación para series de televisión. La ochentera V Los Visitantes, aquella serie de lagartos extraterrestres con apariencia humana -donde la actriz Jane Badler, en el papel de Diana, hizo historia cuando se 'zampa' al ratón- regresa a la pequeña pantalla renovada. El remake V Invasión extraterrestre se ha rodado para la cadena norteamericana ABC con la Arri D-21 y esta vez con la posibilidad de incorporar numerosos efectos visuales sobre chroma verde. También se están rodando series para la NBC (Community), Fox (Lie to me), Showtime (Nurse Jackie), HBO (Bored to death) o CW (Supernatural) con la Arri digital.

DETALLES Arri D-21

sensor CMOS Super 35mm y visor óptico
La D21 sigue una filosofía muy de cine. Es similar al cuerpo de una Arri 435, con la misma terminación de una cámara de cine sólo que, en vez de ponerle un chásis arriba para cargar película, lleva dos cables (dual link) que van al magnetoscopio portátil SRW-1 que graba en cinta HDCAM SR en 4:4:4 RGB.

La Arri D-21 está equipada con el mismo visor óptico que las Arri y con obturador mecánico, que va rotando, y te da una sensación lo más parecida a estar rodando con cámara de cine. Además, el visor óptico supone menor fatiga ocular y poder visionar un área de imagen más amplia con margen de seguridad.

El sensor CMOS de la Arri D-21 es tamaño Super35, con lo que se consigue la misma versatilidad y control de la profundidad de campo que con el negativo.

montura PL y accesorios de cine
Y como el objetivo de Arri es que directores de fotografía y operadores puedan puedan 'filmar' de la misma manera que si lo hicieran con una de sus cámaras de 35mm, la Arriflex D-21 se puede combinar, gracias a la montura PL, con todo tipo de ópticas de cine. Desde lentes angulares, teleobjetivos o zooms, ya sean Cooke, Zeiss, Arrimacros... Además, la Arri D-21 es compatible con accesorios de cine, especialmente Arri, y con los mandos de foco.

velocidad de cuadro variable de 1 a 60 fps
La Arri digital permite grabación con velocidad de cuadro variable ('over-cranking' y 'under-cranking') de 1 a 60 frames por segundo para crear efectos especiales a cámara rápida o lenta. Y las imágenes se pueden visionar en el grabador SRW-1 inmediatamente después de rodar.

HD de gama alta en EPC
La Arri D-21 se une a las otras "pata negra de la HD" -así se las llama en el sector-, como son la Sony F35, también adquirida recientemente por EPC, la Red One, la Genesis de Panavision y, en alta velocidad, la Phantom con montura PL y la Panavised Phantom con montura Panavision. Todas ellas disponibles en alquiler en la división de HD y vídeo de EPC junto a las nuevas Varicam P2 HD 3700. Para que productoras y directores de fotografía puedan elegir entre lo mejor del mercado, según sus necesidades de producción y preferencias estéticas.

info para alquilar: Si estás interesado en la Arri D-21 o en cualquiera de las cámaras digitales EPC, contacta con Juan Carlos Acedo, responsable de la división HD y vídeo de EPC, por email (juancarlos@epc.es) o llamando al +34 915120806.

La Sony F35 disponible en alquiler en EPC

EPC ha adquirido recientemente la Sony F35, una de las cámaras más avanzadas para cinematografía digital y producciones de televisión y publicidad de gama alta. Registra la máxima calidad de imagen 4:4:4 RGB, de 1 a 50 fotogramas por segundo, en soporte cinta y formato HDCAM SR con magnetoscopio portátil SRW-1 incorporado, sin necesidad de cables entre la cámara y el grabador. Así, de un primer vistazo, la F35 cuenta con sensor CCD de Super 35mm y montura PL para ópticas de 35mm, lleva visor electrónico y es compatible con accesorios de cine. Y su curva de gamma, la S-LOG, hace que la cámara sea capaz de captar la máxima información tanto en bajas como en medias y altas luces.

un largo y un corto
La F35 de EPC no tardó en hacer su estreno en largo con una producción de Media Films, Herois (Heroes), película dirigida por Pau Freixas y con fotografía de Julián Elizalde, que se ha rodado en Barcelona. También el realizador Hatem Khraiche Ruiz-Zorrilla, nominado al Goya este año por Machu Picchu, acaba de rodar su nuevo corto en noviembre con la F35 de EPC. En Genio y Figura ha contado con José Martin en la fotografía, que combinó la cámara con las lentes Master Primes para lograr el look que buscaban. "La calidad de la F35 es increíble (4K reales)", comenta en su blog The Rosete Brothers.

MÁS DETALLES Sony F35

sensor CCD Super 35mm y montura PL
La F35 tiene sensor CCD de Super 35mm que ofrece resolución 1920 x 1080 y garantiza un gran rango dinámico con enorme riqueza de detalles tanto en las zonas oscuras como en las altas luces.

Utiliza montura PL para combinar con ópticas 35mm y conseguir esa profundidad de campo similar a una cámara de cine, desde lentes angulares, teleobjetivos o zooms, ya sean ópticas Cooke, Zeiss, Arrimacros... Todo. Además, la F35 es compatible con accesorios de cine y con los mandos de foco.

magnetoscopio HDCAM SR incorporado
Sony dice que para el diseño de la F35 se ha basado en años de conversaciones con los profesionales de la cinematografía. Ha buscado la ergonomía y la movilidad y por eso la F35 lleva adosado el SWR-1 HDCAM SR a modo de chasis, encima o tras el cuerpo de cámara, para aportar agilidad en rodaje y no tener que trabajar con cables entre la cámara y el magnetoscopio portátil. Registra con la máxima calidad en 4:4:4 RGB en soporte de cinta en HDCAM SR.

dibujo con dimensiones de la F35 con las dos posiciones en las que se adosa el SWR-1 (ampliar para ver detalle)

Y si se necesita llevar sólo el cuerpo de cámara de forma más ligera, se puede acoplar el grabador con cable dual-link. Además, el asa de la cámara es plana en la parte superior, lo que permite montarla en una Steadicam.

velocidad de cuadro variable de 1 a 50 fps
Cuando se utiliza con el grabador SRW-1 HDCAM SR, la F35 permite grabación con velocidad de cuadro variable ('over-cranking' y 'under-cranking') para crear efectos especiales a cámara rápida o lenta. Los ajustes de frecuencia de cuadro para esta función varían de 1 a 50 frames en incrementos de un solo cuadro en calidad 4:4:4 RGB. Y las imágenes se pueden visionar en el grabador SRW-1 inmediatamente después de rodar, sin ningún tipo de procesado externo.

curva de gamma S-LOG
La F35 también incorpora otras funciones creativas como la curva de gamma S-LOG, exclusiva de esta cámara, que hace uso de todo el amplio rango dinámico del CCD, similar al negativo de cine, y da gran flexibilidad de retoque en postproducción porque conserva toda la información, incluso con luces altas extremas, para reproducir fielmente la característica tonal de la imagen.

El operador también puede seleccionar entre cuatro tipos de curvas HyperGamma la más adecuada según la escena a captar y el look que busca. Las HyperGamma 1 y 3 mejoran la reproducción natural de los tonos en áreas de baja iluminación. Y las HyperGamma 2 y 4 son adecuadas para escenas muy contrastadas.

saturación de baja luz
Con las cámaras de vídeo tradicionales, las áreas de baja luz pueden sufrir una reducción de la saturación. Esto puede dar lugar a que los colores en dichas áreas aparezcan 'lavados'. La función de saturación en bajas luces en la F35 elimina este problema porque optimiza la amplificación de la saturación del color en niveles de bajas luces y la incrementa a un nivel óptimo para lograr una reproducción más natural del color.

fácil de usar
La F35 se ha diseñado con el objetivo de que el control de parámetros, indicadores y botones sea intuitivo tanto para profesionales del cine como de la televisión. El Modo Cine está pensado para rodajes cinematográficos donde la imagen se retoca en el proceso de posproducción y con control de parámetros muy similar a como se hace con una cámara de cine. Y con el Modo Personalizado el operador ajusta los parámetros de cámara durante el rodaje y puede acceder a todas las funciones de configuración de la cámara.

HD de gama alta en EPC
La cámara de cinematografía digital Sony F35 se une a las otras -como se dice coloquialmente en el sector- "pata negra de la HD": la Arri D-21, adquirida recientemente por EPC y que es la primera cámara que se compra en España, la Red One, la Genesis de Panavision o, en alta velocidad, la Phantom con montura PL y la Panavised Phantom con montura Panavision. Todas ellas disponibles en alquiler en la división de HD y vídeo de EPC junto a las nuevas Varicam P2 HD 3700. Y todas ellas conviven con la amplia oferta de material en 35mm y 16mm, y las cámaras Panavision, para que productoras y directores de fotografía puedan elegir entre lo mejor del mercado según sus necesidades de producción y preferencias estéticas.

info para alquilar: Si estás interesado en la Sony F35 o en cualquiera de las cámaras digitales EPC, contacta con Juan Carlos Acedo, responsable de la división HD y vídeo de EPC, por email (juancarlos@epc.es) o llamando al +34 915120806.

'Viejos perdedores', cine clásico con combate intenso a multicámara

Viejos perdedores es una historia de perdedores, pero de los que luchan golpe a golpe contra los reveses de la vida. Y también es una historia con un gran reto técnico, rodar un combate de boxeo al estilo clásico de los años 30 y con multicámara. El director Rubén Ordieres y el director de fotografía Pedro Castanheira nos hablan de este cortometraje que se estrena el 26 de noviembre en la sección oficial del Festival de cine de Gijón. Tras la producción, el propio Rubén Ordieres y su socia Tatiana Chav junto con EPC Producciones Cinematográficas.

"Nos propusimos dar a Viejos perdedores una buena ambientación, un aire de cine clásico y ofrecer un combate intenso pero sin olvidar lo que contábamos", dice Rubén Ordieres. "El corto trata de los perdedores, de aquellos que cuando las cosas salen mal siguen adelante sin hacer mucho drama. Son personajes que me gustan. Tienen más mérito que los triunfadores".

el mundo del boxeo
No es casualidad que la historia de Viejos perdedores, escrita con elementos de drama y de comedia por Rubén Ordieres, esté ambientada en el mundo del boxeo. "Siempre quise que fuera así porque es un deporte que practico y podía tratarlo sin cometer muchos disparates", dice el director. "Es la historia de un púgil de segunda fila que pese a que nadie da dos duros por él se empeña en seguir peleando y, para demostrar que todavía vale, está dispuesto a recibir una soberana paliza. Es un personaje mitad heroico, mitad ridículo".

al fondo, el director Rubén Ordieres en la finca de Gorques de Madrid en agosto 2009 durante el rodaje (ampliar para ver detalle)

Para transmitir en el combate esa intensidad de la que habla el director, los actores entrenaron a conciencia durante tres meses, hasta el punto de que, por el camino, uno de ellos, perdió una muela. Pequeños accidentes del directo.

El rodaje de Viejos perdedores también fue intenso. El equipo se concentró desde el 28 de agosto y durante cuatro días en la Finca de Gorques en Madrid. Y sin duda, asegura Rubén Ordieres, lo más complicado, y gratificante a la vez por el resultado, fue rodar el combate. "Porque suponía un reto para todos los departamentos. Vestir y coordinar a los figurantes, construir un ring de la época, la evolución de las heridas de los personajes, hacer la coreografía, definir tamaño y movimiento de las cámaras…".

CRÉDITOS Viejos perdedores (15 min)
Dirección y guión: Rubén Ordieres/ Producción ejecutiva: Rubén Ordieres, Tatiana Chav, Óscar Pérez Medina y Eduardo Pérez Medina/ Directora de producción: Tatiana Chav/ Jefa de Producción: Mariana Jacob/ Dirección de fotografía: Pedro Castanheira/ Dirección artística: Julien Pougnier y Andrea Santamarina/ Montaje: Julián Salvadores/ Sonido directo: Julio Cuspinera y Andrés Miguez Rojas/ Sonido mezclas: Pelayo Gutiérrez/ Maquillaje: Pepe Quetglas/ Peluquería: Blanca Sánchez y Patricia Rodríguez/ Vestuario: Ana María Holgueras/ Foto fija: Pedro Castanheira y Eduardo Pérez Medina/ INTÉRPRETES: Carlos Álvarez-Nóvoa, Chicho Castillo, Silvia Casanova, Alfonso Vallejo y Jero García / Contacto: Tatiana Chav y Rubén Ordieres - viejosperdedores@gmail.com

rodaje al estilo clásico
Para una historia como ésta, ambientada en los años 30, tuvieron claro rodar en soporte cine y en 35mm porque, explica el director de fotografía Pedro Castanheira, la textura del HD les podría traicionar y el 16mm se les quedaba corto. "Sabíamos que valía la pena apostar por el formato 35mm porque buscábamos ese look de cine antiguo, parpadeante, casi orgánico, pero a la vez con imágenes vibrantes y de máxima calidad".

Por la misma razón, optó por trabajar con lentes Cooke S4. "Presentan un recorte mucho más suave e ideal para retratar la iluminación difusa que planteaba, porque queríamos que se evocara la luz del norte de España. Además, decidí trabajar siempre con luz día sobre película tungsteno, a penas con un 81F en cámara, para lograr un ligero tono frío que me ayudara a dar la sensación de poco color, que era mi principal preocupación", explica Pedro Castanheira. Se trabajó con película Kodak Vision2 500T 5260.

Y es que Rubén Ordieres quería que tanto la estética como la planificación de Viejos perdedores tuvieran un corte clásico. "Que recordara a las películas que se estrenaban en los años en los que transcurre la acción. Las películas de boxeo Nadie puede vencerme, El ídolo de barro, y Cuerpo y alma fueron nuestras principales referencias", cuenta el director. "EPC fue decisiva para poder rodar el combate de la misma forma que en estos tres clásicos. Se hizo con tres cámaras que registraban largas tomas de pelea que combinaban guanteo y momentos coreografiados. Esta decisión de puesta en escena fue determinante para el modo en que el director de fotografía abordó la iluminación del combate".

acción a tres cámaras
Pedro Castanheira se comprometió a fijar una iluminación base que a penas le obligara a retocarla. "Que nos diera toda la libertad y tiempo necesarios para concentrarnos sólo en el trabajo de las tres cámaras y las complejas acciones en el ring que éstas deberían captar".

Pedro Castanheira, director de fotografía de Viejos perdedores dentro del ring

Porque si es verdad que Viejos perdedores es un corto de época, para el director de fotografía es sobre todo un corto de acción. “Sabíamos que para rodarlo necesitaríamos material de cámara extraordinario y muy ambicioso, y la colaboración de EPC lo hizo posible. La decisión de rodar la pelea de boxeo con tres cámaras a la vez supuso un reto muy grande para todos nosotros. Pero fue lo que nos permitió rodar todo lo que queríamos en apenas dos días, y llegar al montaje con una gran variedad de planos, preservando a la vez la espontaneidad de movimientos y la libre coreografia de los actores que peleaban", explica Pedro Castanheira.

La mayoría del material está rodado con la Arricam ST que, para el combate, montaron sobre una grúa GF-6. "Se movía sutilmente sobre el ring haciendo que cubriera toda la acción en un plano general. Aquí, la larga experiencia de nuestro segundo operador Eduardo Pérez Medina fue fundamental", asegura el director de fotografía. "Luego, escondimos dos cámaras más que hacían los planos más cortos desde ángulos opuestos, una Arri 535 y una Moviecam Compact".

Eduardo Pérez Medina, segundo operador en Viejos perdedores

la cámara 'fea' convertida en cisne
A la hora de rodar la compleja escena multicámara del combate de boxeo, la preocupación de Pedro Castanheira no era tanto tanto el saber cómo ocultar sus fuentes de luz sino ser consciente de que la luz no puede ser igual de perfecta para todas las cámaras. "Y que una de ellas tendrá necesariamente que quedarse con los planos más 'feos'. Para compensar esta adversidad, decidí ponerle un zoom a la cámara que consideraba que tenía la iluminación más pobre y le dije a su operador que jugara lo máximo con él, cambiando constantemente de tamaño de encuadre y buscando primeros términos, de manera que enriqueciera una imagen que parecía estar en clara desventaja respecto a la de las demás cámaras. Ahora, viendo el montaje, creo que se logró un buen equilibrio y esos planos, teóricamente más pobres en la práctica, aportan mucha dinámica y naturalidad a las escenas de acción".

efecto estroboscópico
También hicieron alguna cámara al hombro dentro del ring cuando querían estar más cerca de los golpes. "En los momentos de lucha más intensa, me acordé del efecto estroboscópico y cerré el obturador de las cámaras a 45º para que todo fuera más frenético aún", recuerda Pedro Castanheira. "El lenguaje de cámara salió muy 'setentero', muy espontáneo, y es algo que al director y a mí nos encanta. Porque aunque sea anacrónico, el lenguaje de los años 70 es el que mejor va con estos personajes duros y cabezotas que retratamos en nuestro corto".

La Arricam ST de EPC sobre la grúa GF-6 captando la acción en el ring

equipo técnico de cámara
Junto a Pedro Castanheira, detrás de las cámaras estaban Eduardo Pérez Medina como segundo operador, con Guillermo Vázquez Carballo, ayudante de cámara, Virginia Camino Valmaseda como auxiliar de cámara, y Alberto Rosende Balazs, técnico de vídeo. Completan el equipo, como operador de cámara 2ª unidad, Alonso Hernández Quezada, con Josu Ortiz Aguirre, ayudante de cámara 2ª unidad, y Fabio Schiappacasse, auxiliar de cámara 2ª unidad, y Daniel Abad, ayudante de cámara 3ª unidad. Enrique Pérez, jefe de eléctricos, Ítalo Fernando Flores, jefe de maquinistas, y Emilio Rodríguez Presa, maquinista.

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Rubén Ordieres ganó el premio Nuevos Realizadores del Principado de Asturias 2008 dentro del marco del Festival de Cine de Gijón del año pasado por su proyecto Viejos Perdedores, que competía con otros 21 proyectos. Y este año, con ese proyecto hecho realidad, ha sido seleccionado para participar en la sección oficial de cortometrajes del festival asturiano. "Es un lugar que nos ha traído mucha suerte", dice Rubén Ordieres. "El Premio Nuevos Realizadores fue una gran aportación para la financiación del corto. Desde entonces, hemos creado una productora, Asturfiction, que actualmente es finalista en el concurso de largometrajes Ciudad de Gijón, y desarrolla además un guión que ha recibido la ayuda del Ministerio de Cultura”.

Para Pedro Castanheira, Viejos perdedores es su quinto cortometraje como director de fotografía. Y entre sus trabajos como operador destaca haber sido uno de los seleccionados por Kodak España para el Budapest Cinematography Masterclass 2007. "Pude rodar varios spots bajo la dirección de Vilmos Zsigmond, ASC (Óscar por Encuentros en la Tercera Fase), con equipos Panavision y en 35mm".

Para ti y para regalar, agendas Moleskine 2010 en la Tienda EPC

Las nuevas agendas Moleskine 2010 ya están en la Tienda EPC en cuatro modelos distintos para elegir. La clásica agenda negra con día vista, la alegre agenda roja también con día vista, y las Moleskine de bolsillo en rojo o negro y con diferentes combinaciones de semana vista a cual más práctica. A ninguno de los cuatro modelos de agendas elegidos les faltan los detalles tan personales de Moleskine. Tienen cubierta de cartoné de puntas redondeadas, hojas de papel sin ácido, una cinta para marcar por dónde vamos, un pequeño bolsillo expandible hecho de tela y cartón en el interior, y la característica goma elástica para cierre, además de un librillo con la historia de estos legendarios notebook. Cuatro Moleskine para todos los gustos y necesidades, para reuniones de trabajo y planificación de viajes, para llevar el día a día de un rodaje o grabación... y para ir escribiendo nuestra propia historia a ritmo de moleskine.

DIME CÓMO ERES... Y TE DIRÉ QUÉ MOLESKINE NECESITAS

para los más retro, la agenda negra diaria
A quienes les gusta el estilo legendario de los notebook Moleskine, les irá bien la agenda negra de tapas duras. Sigue el esquema de una agenda clásica, con una página para cada día desde enero a diciembre de 2010. Con mucho espacio para apuntar citas, planes, ideas y notas varias. En el característico bolso interior explandible de la agenda se incluye un cuaderno alfabético para direcciones y teléfonos de 28 páginas.

Detalles
Formato: Large
Tamaño: 13x21 cm
Páginas: 400 (papel libre de ácidos)
Modelo: 12 meses - día vista por página
Tapas: duras - Color: negro
Lleva bolso interior expandible
Incluye adress book
19 euros

para los espíritus prácticos, agenda negra semanal a doble página de bolsillo
Ideal cuando queremos tener cada una de las semanas de enero a diciembre de 2010 a mano y en doble página, y consultarlas de un vistazo en cualquier momento. Porque al ser tamaño bolsillo no hace falta separarse de ella. Esta práctica Moleskine de tapas duras muestra Lunes, Martes y Miércoles en la página izquierda, y Jueves, Viernes y Sábado/Domingo en la derecha. Y no le faltan los detalles Moleskine. Lleva bolso interior expandible con un cuaderno alfabético de direcciones y teléfonos de 28 páginas.

Detalles
Formato: Pocket
Tamaño: 9x14 cm
Páginas: 140 (papel libre de ácidos)
Modelo: 12 meses - semana vista a doble página
Tapas: duras - Color: negro
Lleva bolso interior expandible
Incluye adress book
12 euros

para los más cool, la agenda roja diaria
El color rojo pasión le pone el punto fashion a la agenda Moleskine, con la cinta "bookmark" y el cierre elástico también en rojo. Además, en el bolso interior expandible lleva un cuaderno de 24 páginas con pestañas para apuntar direcciones o notas que queramos tener a mano, y pegatinas para poner temas en las pestañas. Y lo más divertido, incluye ni más ni menos que 225 marcadores adhesivos con muchos símbolos de colores para señalar citas y fechas importantes o ideas en la agenda. Lo dicho, la roja es de lo más cool.

Detalles
Formato: Large
Tamaño: 13x21 cm
Páginas: 400 (de papel libre de ácidos)
Modelo: 12 meses - día vista por página
Tapas: duras - Color: rojo
Lleva bolso interior expandible
Incluye cuaderno con pestañas y marcadores adhesivos
20 euros

para los multitask, la agenda-notebook semanal roja de bolsillo
Quienes siempre dudan de si llevar la agenda o el cuaderno, que sepan que pueden tener las dos cosas en una Moleskine. Con esta agenda tienes a mano en la página izquierda, la semana vista para apuntar las citas, reuniones y planes, y a la derecha, una página a rayas del clásico cuaderno Moleskine para ideas y notas varias. En el bolsillo interior explandible, esta agenda de tapas duras lleva un cuadernito de 24 páginas con pestañas para apuntar detalles que queramos tener a mano (y pegatinas para ordenar por tema), además de 225 adhesivos-símbolo de colores para destacar cosas en la agenda. Es completa, divertida, multitarea y muy cómoda para llevarla de aquí y allá desde enero a diciembre de 2010.

Detalles
Formato: Pocket
Tamaño: 9x14 cm
Páginas: 144 (papel libre de ácidos)
Modelo: 12 meses - semana vista y notebook a doble página
Tapas: duras - Color: rojo
Lleva bolso interior expandible
Incluye cuaderno con pestañas y marcadores adhesivos
14 euros

Lo dicho, a elegir agenda Moleskine en la Tienda EPC (teléfono: 915120806 - email: tienda@epc.es). Y pensemos también a quién se la podemos regalar... 2010 está a la vuelta de la esquina.

un regalo muy personal
Moleskine tiene en su youtube un clip que explica cómo funciona MSK, una herramienta para imprimir con formato de páginas moleskine lo que se nos ocurra en imagen y texto. Y a el Sensor se le ha ocurrido que si nos decidimos a regalar agendas, esto del MSK va muy bien para ponerle un mensaje sorpresa dentro, que siempre hace ilusión. Además, claro está, de para personalizar la agenda de cada uno añadiendo contactos, fotos, gráficos y creaciones varias que podemos pasar del ordenador a la Moleskine. Es muy fácil. Crear, imprimir, recortar, pegar en la agenda o en los notebooks ¡y listo! Más de uno disfrutaremos como niños...

Kodak acerca la emoción del cine en S16 mm a los futuros cineastas

Los directores de fotografía Randall J. Tack, también director del Área de formación de cine de Kodak Rochester (EEUU), y Jesús Haro, también director técnico de Kodak España, han llevado las riendas del taller cinematográfico Kodak en 16mm, Stop by. Shoot film. Un taller gratuito dirigido a los futuros cineastas, que ha tenido lugar del 10 al 12 de noviembre dentro de las actividades paralelas de la 39 edición del festival Alcine.

manejar equipo de cámara S16
Los participantes tuvieron a su disposición dos cámaras S16 mm cedidas por ARRI y EPC para esta iniciativa de formación. En concreto, EPC facilitó una Arriflex 16 SR3 completa con accesorios y óptica Zeiss 1.3 para Super 16mm. Y también completó la segunda cámara, venida de Alemania, equipándola con ópticas y un zoom Canon 8-64mm. Se utilizó película negativa de color Kodak Vision3 250D y Kodak Vision3 500T.

El director de fotografía Randall J. Tack, y director del Área de formación de cine de Kodak Rochester, trabajando muy de cerca con los alumnos

Buscar la luz disponible y jugar con contrastes ha sido el principal ejercicio en el antiguo Cuartel de Sementales de Alcalá de Henares, una localización que ofrecía un sinfín de posibilidades para rodaje en interior y exteriores.

rotando puestos tras la cámara
El objetivo de Kodak es acercar la dinámica del trabajo en cine y, como reza el lema del taller Stop by. Shoot film, mostrar "lo fácil y emocionante que es rodar en película". Para lograrlo, todos ellos fueron pasando por los distintos puestos relacionados con la imagen en un rodaje, desde director de fotografía y segundo operador hasta foquista, ayudante de cámara, y han realizado trabajos de control de luz y exposición, uso de fotómetro, foco, manejo de la cámara, elección de encuadres y, en algunos casos, incluso han sido actores por un día.

"La participación ha sido muy activa y cuando han tenido la cámara en sus manos la creatividad ha sido la protagonista", cuenta Maribel Calzón, responsable de Marketing de la División de Cine Profesional de Kodak. "Esta iniciativa es parte del programa de formación que Kodak tiene implementado en todo el mundo y es un apoyo importante a la formación recibida en las escuelas", detalla.

con ganas de más
Los comentarios de los participantes indican que están satisfechos. "La experiencia de poder rodar en 16 mm es algo que siempre había querido realizar", dice uno de los jóvenes seleccionados. El taller ha contado con 50 participantes, elegidos entre más de un centenar de solicitudes enviadas a Kodak, que acudieron de muy diversos destinos como Pontevedra, Vitoria, Zaragoza, Barcelona, Castellón, Valencia, Málaga, Sevilla y Badajoz, además de Madrid.

Algunos de los participantes son aún estudiantes. "Ha sido una experiencia enriquecedora y excepcional que algún día espero poder acercar a mis estudios", dice uno ellos. Otros ya han emprendido el camino en el cine con pequeños proyectos o se lo están planteando. Y todos tienen grandes inquietudes y ganas de saber más. "El ritmo, el nivel y lo que hemos podido conocer en el taller me parece excelente. Me hubiera gustado haber tenido más tiempo", comenta otro participante.

Junto a Randall J. Tack, a su dcha, el director de fotografía Jesús Haro, los dos charlando con alumnos del taller alrededor de la Arriflex 16 SR

Para Alejandro Paíno, responsable comercial de la División de Cine Profesional de Kodak en Madrid, "el interés que han mostrado los alumnos, su participación y entusiasmo ha sido sorprendente".

Cuenta que algunos participantes incluso buscaron asesoramiento técnico y comercial sobre las distintas posibilidades a la hora de afrontar en 16mm los proyectos que tienen en mente. "El asesoramiento al cliente en función de cada proyecto es lo más importante para Kodak", remarca Alejandro. "Intentamos hacer viable cada proyecto con la máxima calidad posible".

Último pase de cortos a concurso Cortogenia en noviembre

El jueves 12 de noviembre llega el último pase a competición de la 10ª edición Cortogenia. Cuatro nuevos cortometrajes que optarán a los premios que se darán a conocer a final de año en la gala de entrega, y entre los que estará el de la mejor dirección de producción que desde hace unos años viene entregando EPC en su apoyo al cortometraje. La cita es como siempre en el Cine Capitol de la Gran Vía madrileña a las 22:30 horas. Y las invitaciones, también como siempre, se pueden conseguir gratuitamente mediante solicitud online. Por cierto, que los fans del actor Raúl Arévalo están de suerte porque podrán verle por partida doble en esta sesión, en El sobrino y en Pichis.

los cortos concursantes son...
* fotogramas de los cuatro cortometrajes por orden de mención

LA PARADA - 14 minutos
Tras perder su autobús diario al trabajo, una mujer inmigrante espera en la parada. Esa mañana, el encuentro con un joven en una situación desesperada tendrá consecuencias inesperadas. Dirección y guión del mexicano Alejandro Andrade, que también es responsable del montaje. En la fotografía, Pol Orpinell. Y Carlos Medina, productor.

EL SOBRINO - 17 minutos
Es una "tragicomedia criminal", negra y con acción donde está el chico bueno que cansado de que las chicas le den calabazas decide cambiar de rumbo. Sólo le queda una salida para que le quieran: convertirse en uno de "los malos", como su padrino. Dirige Nacho Blasco, también responsable del montaje y coguionista con Nacho Rubio, quien, por su parte, es además actor protagonista. Para ponerle cara, Nacho Rubio es el psicólogo desequilibrado de la serie Camera Café. Junto con los Nachos -que le han dedicado dos años a este corto- firma el guión Miguel Ángel Lamata. Y en la dirección de fotografía han contado con Javier Cerdá. Produce NachoBuenoNachoMalo.

PICHIS - 14 minutos
La actriz Marta Aledo, que ya codirigió Test con la también actriz Natalia Mateo, se lanza a dirigir en solitario en Pichis. Y Natalia Mateo firma el guión -al igual que hacía en Test- de este nuevo corto en el que además es protagonista junto a Raúl Arévalo y Luis Callejo. Es una producción de Avalon Productions con Stefan Schmitz y María Zamora como productores. Y en la dirección de fotografía está Joaquín Manchado, que rodó durante un intensivo fin de semana con la Red One en la ciudad de las casas colgantes. Porque la historia se sitúa en Cuenca. Una madrugada del Viernes. Puerta trasera del Cave Canem. Bar de toda la vida de una pandilla de amigos. Celebran despedida de soltera. Barra libre hasta las dos. Qué noche más larga. Golpetazos del pasado. Cientos de conversaciones pendientes. Trenecitos, música de los 80… Héctor sale fuera a fumar…

LA RUBIA DE PINOS PUENTE - 17 minutos
Tras el corto Heterosexuales y casados, que se llevó tres premios en la pasada edición Cortogenia, Vicente Villanueva participa con esta nueva historia corta en la que juega a tres bandas, como director, guionista y productor. La protagonista -la actriz Carmen Ruiz- es una joven cantautora que se presenta a las pruebas de un ‘talent show’ televisivo que arrasa en audiencias. Su casting resulta tan patético que acaba colgado en internet. En la dirección de fotografía, Luis Ángel Pérez.

música punk, sexo y...
El corto internacional fuera de concurso que ha elegido Cortogenia para esta ocasión es LOVE YOU MORE (2008), dirigido por Sam Taylor-Wood, una conocida artista británica de la fotografía y el videoarte, y también colaboradora habitual del grupo de música Pet Shop Boys. El año pasado se lanzó a dirigir su primer cortometraje con buen pie porque fue seleccionado en la sección oficial del Festival de cine de Cannes. Para la fotografía de Love you more se acompañó ni más ni menos que de Seamus McGarvey, director de fotografía de largometrajes como Las Horas o Expiación. Entre los grandes ingredientes de esta historia de 15 minutos está la música punk. De hecho, el título del corto viene de una canción de The Buzzcocks. Con la excusa de la música, los protagonistas -que comparten pasión por este grupo- ligarán en una tienda de discos, y de paso robarán el último single del grupo. Después, se irán a casa de la chica para escucharlo y para alguna que otra cosa más. Porque el punk enciende la mecha y el sexo se desata. La cara B la dejamos para el jueves en el cine.

Cámara al hombro y S16, la base de Alfonso Postigo en 'Yo, también'

"Creo que el director de fotografía debe ser un apoyo para el director. Al fin y al cabo, de lo que se trata nuestro trabajo es de trasladar su visión a imágenes que apoyen el contenido de la película", dice el director de fotografía Alfonso Postigo, que cuenta en El Sensor cómo fue su último trabajo en Yo, también, la ópera prima de Antonio Naharro y Álvaro Pastor. "En el caso de Álvaro y Antonio, su visión del cine a veces implica que el proceso de rodaje no sea muy convencional y hay que adaptarse a eso, porque parte de la esencia de su cine radica en un cierto grado de improvisación con los actores. Y eso supone hacer ciertas concesiones como director de fotografía que, sin embargo, permiten que el producto final sea más interesante".

Alfonso Postigo ya había colaborado con Álvaro Pastor y Antonio Naharro en Invulnerable (2005), un corto muy premiado que, en palabras del director de fotografía, "fue como una especie de entrenamiento para todos" en ese método de trabajo con espacio para la improvisación. Además, dice, en Yo, también el objetivo era "sacar adelante un plan de rodaje muy apretado con muchas localizaciones en sólo cinco semanas, con un presupuesto ajustadísimo y cumpliendo ciertos requisitos estéticos".

la película. Detrás de la producción de Yo, también están Alicia Produce y Promico Imagen con Julio Medem, Koldo Zuazua y Manuel Gómez Cardeña como productores, estos dos últimos también en la producción ejecutiva, y Verónica Díaz en la dirección de producción. Precisamente Koldo Zuazua, que ya se había interesado por Invulnerable, fue quien llevó el proyecto de Yo, también -cuentan los directores- a Alicia Produce, la productora de Julio Medem, que mostró una sensibilidad especial con el proyecto. Julio Medem, por su parte, considera esta película una "película suerte" y entre los progenitores, además de los autores-directores Antonio Naharro y Álvaro Pastor (en la foto), incluye a Koldo Zuazua como "auténtico patriarca de esta historia". La relación que aborda la película, que no deja de ser complicada, se concibió buscando ahondar en los sentimientos y la soledad de sus protagonistas, un chico con síndrome de Down (Pablo Pineda) y una mujer sin discapacidad (Lola Dueñas), dos trabajadores sociales que se conocen en el entorno laboral. En palabras de los directores... "Hay dos ciudades en la película, Sevilla y Madrid, como hay dos protagonistas y dos mundos que se cruzan. Y un viaje que para ambos representará un cambio hacia adelante en sus vidas. Para Laura supondrá el reencuentro con el pasado. Para Daniel será el principio de la madurez". Los dos protagonistas se han llevado concha de plata en el festival de cine de San Sebastián 2009 por sendas interpretaciones.

puesta en escena desnuda
El rodaje de Yo, también empezó el 22 de septiembre de 2008 y tuvo lugar en su mayor parte en Sevilla, cuatro semanas en localizaciones del centro histórico y en Triana, y también en Huelva, en la playa de Mazagón. Una quinta semana se rodó en Madrid, donde finalizó el rodaje ahora hace un año.

Con respecto a la narrativa de Yo, también se decidieron por una puesta en escena desnuda, cámara al hombro y buscando una iluminación realista y un rodaje ligero. "La decisión de rodar cámara en mano viene dada, por un lado, por una cuestión estética. Gran parte de las referencias que manejábamos iban en ese sentido, por ejemplo Wonderland, y Rompiendo las olas. Pero, sobre todo, porque por la forma de trabajar de Álvaro y Antonio durante el rodaje, la cámara en mano nos daba una flexibilidad enorme", dice Alfonso Postigo, y lo explica:

"Ellos se plantean la película como un proceso muy vivo y en constante evolución. Preparan el proyecto con mucha antelación, especialmente el trabajo con los actores y el guión, que no deja de evolucionar. Este margen a la improvisación se traslada también al momento mismo de dar motor. Antonio sigue dando indicaciones al actor, que reacciona a estos estímulos y hace que cada toma sea diferente. Y en el caso de Pablo Pineda, sin experiencia previa como actor, este sistema se lleva todavía más lejos, hasta el punto de que él sentía lo que le estaba pasando al personaje en ese momento, lo cual, dicho sea de paso, era una auténtica paliza para él".

la cámara toma decisiones
En este contexto, cuenta Alfonso Postigo, llevar la cámara en mano permite reaccionar ante estos cambios y, a la vez, estar en sintonía con un tipo de interpretación muy naturalista donde nada debe parecer demasiado preparado, y la cámara está atenta a lo que está sucediendo en ese momento.

"Un poco como sucede en un documental. Además, creo que es un sistema que encaja con ese método de dirección de actores que busca despojar de cierto artificio a la interpretación y aporta una sensación de inmediatez. Al igual que un actor puede cambiar un gesto o un movimiento, la cámara tiene una cierta libertad para tomar decisiones 'de última hora' que refuercen la narración o el estado emocional de un personaje".

Alfonso Postigo destaca, en este sentido, el trabajo de Eva Aycart, la ayudante de cámara, que también tenía que improvisar a menudo por estas variaciones y la práctica ausencia de marcas para los actores. También estaban en el equipo técnico de cámara Paco Cano, auxiliar de cámara, y Cristina Cerezo, meritoria de cámara, con Álvaro Cañal como técnico de vídeo. Completan el equipo, Alejandro Espadero, cámara 2ª unidad, con Juan González Rebollo como ayudante de cámara.

En Yo, también sólo hay una secuencia que está rodada sobre trípode y es cuando Daniel (Pablo Pineda) sueña con sus compañeras de oficina. "Quisimos rodar con cámara fija para separar ese mundo onírico de Daniel de la realidad, que era cámara en mano. Reforcé esa extrañeza cambiando el ángulo de obturación a 45º, con lo que se le daba al movimiento de las actrices un aspecto artificioso y se generaba un parpadeo en los fluorescentes de la oficina que reforzaba ese ambiente irreal".

rodaje más operativo en S16
Yo, también está rodada en Super 16mm, una elección que, junto con la del material de cámara, venía un poco condicionada por el presupuesto, porque rodar en 35mm no era una opción, y hasta se llegó a abandonar la idea de rodar en negativo porque les parecía inviable.

"Pero poco a poco se fue retomando la idea cuando nos convencimos de que no sólo no era mucho más caro sino que haría el rodaje más ágil y se adaptaría mejor a nuestras circunstancias. Es verdad que hoy por hoy la respuesta de ciertas cámaras de HD a la subexposición es impresionante pero no habría sido tan operativo, por ejemplo, subirse a la parte de arriba de un autobús turístico y rodar cámara en mano con una F23 en un sólo recorrido", explica Alfonso Postigo.

Además, preferían el negativo a cualquier formato digital por más razones. "No sólo por el mayor rango dinámico y espacio de color sino porque el grano, que se hace más evidente en S16, aportaba una textura que encajaba mejor que el aspecto algo más frío y 'limpio', en cierto sentido, del digital. Creo que la aleatoriedad del grano, ese aspecto algo más imperfecto, junto al uso de la cámara en mano encajaba mejor con el estilo de película que Antonio y Álvaro querían hacer, y además aportaba un cierto carácter unificador a la película".

Alfonso Postigo también cree que el negativo es más permisivo con las condiciones extremas de rodaje como era el caso de Yo, también. "No sólo por la mayor latitud en las altas luces sino porque en situaciones en las que la iluminación no puede estar tan matizada, el aspecto que da el negativo es mucho más 'agradecido'. Utilicé película Kodak 7229 500T Expression por su latitud, especialmente en las bajas luces. Como esta emulsión tiene características especiales, entre otras cosas es algo más granulada, no cambié de película en los exteriores día para mantener una cierta consistencia en toda la película", explica.

Alfonso Postigo rodando en la playa de Mazagón en Huelva, con su ayudante de cámara Eva Aycart

equipo de cámara
El equipo de cámara fue suministrado por la casa de alquiler EPC. Gran parte del rodaje se hizo con Arriflex 16 SR3, y también eligieron la Arri 416 Plus, que a Alfonso Postigo le parece una cámara más avanzada y le gusta más "por su ligereza, fiabilidad y comodidad para trabajar cámara en mano, y por su visor, mucho más brillante que el de la SR3". Las ópticas, también elegidas en base al presupuesto que tenían, fueron la serie fija de Zeiss 1.3 para S16, y un zoom Zeiss 11-110 T2.0, "con una calidad óptica aceptable, aunque bastante lejana a la calidad de los zooms modernos, y algo inferior a la serie fija que llevábamos", opina el director de fotografía.

"Había que tener cuidado con el viñeteo que se producía en ciertas focales cuando el foco estaba en menos de 1 metro. El zoom lo intentaba utilizar lo menos posible aunque a veces Álvaro lo prefería por cuestiones de rapidez o porque quería cambiar de focal durante la toma. En esos casos, intentaba no mezclarlo con las ópticas fijas dentro de la misma secuencia". A excepción de la secuencia del autobús en Navidad donde sólo disponían de un recorrido para rodar todos los planos posibles. "No podíamos cambiar de objetivo con rapidez en tales circunstancias, más aún cuando estábamos subidos en un autobús en marcha. En este caso, también tuve que forzar la película porque no tenía diafragma suficiente".

iluminar como en documental
Aunque para Alfonso Postigo Yo, también no es una película en la que hubiera grandes desafíos técnicos, sí nos cuenta algunos ejemplos de cómo trabajó la iluminación. Para los exteriores noche decidió utilizar un sistema muy práctico al que recurre cuando rueda documentales.

Alfonso Postigo con la Arriflex 416 Plus de EPC al hombro durante el rodaje en Madrid

"Siempre que es posible, utilizo la luz propia de la localización como base. Esto me permite no tener que iluminar espacios amplios con aparatos grandes, grupo electrógeno, etc, porque los fondos los tengo cubiertos con la luz ambiente. A partir de ahí, ilumino el espacio donde se van a mover los actores, centrándome en reproducir con mi luz lo mejor posible las características de las fuentes disponibles en el lugar, en términos de dirección intensidad, temperatura de color y espectro cromático, buscando que se integre bien en el espacio y que funcione a la vez para la escena. Eso supone casi siempre trabajar con niveles muy bajos para no perder los fondos y por consiguiente con diafragmas muy abiertos, a veces incluso forzando la película".

Por ejemplo, en el exterior del Puente de Triana, cuando los protagonistas se despiden, rodaron a 1,3 de diafragma. "Para conseguir la integración de la luz en ésta y otras secuencias de exterior noche, la luz principal consistía en una lámpara de sodio del mismo tipo que la de las propias farolas de la calle, que consiguió el gaffer Miguel Angel Cárdenas, montada en un pequeño globo. Rodar de este modo los exteriores noche ahorraba además mucho tiempo y permitía cumplir el plan de rodaje".

Eva Aycart, ayudante de cámara, en un momento del rodaje en Sevilla

Y otra técnica que utilizó Alfonso Postigo en muchos interiores, "copiada de Dante Spinotti", dice el director de fotografía, fue rellenar utilizando unas mallas guirnaldas de luces de Navidad. "Cada malla tenía unas 400 minilámparas que metíamos en regulación. Se grapaban al techo y proporcionaban un relleno muy controlable y nada direccional gracias a la multitud de puntos de luz".

las tres en raya
El estreno en largo como director de fotografía de Alfonso Postigo fue Un Año en la Luna (2004) de Antonio Gárate. Después vino El chocolate del loro, de Ernesto Martín, y este año ha estrenado tres trabajos en salas comerciales. Tres óperas primas. El amor se mueve de Mercedes Afonso, Pagafantas de Borja Cobeaga y ahora Yo, también. Y ya tiene en marcha nuevo proyecto con Borja Cobeaga, la que será su segunda película, Retrasado. "Él la define como una especie de híbrido a medio camino entre Pagafantas y La jungla de cristal, y el rodaje está previsto para otoño del año que viene", cuenta Alfonso Postigo, que también repetirá con la directora canaria Mercedes Afonso en su segunda película, Sara y las estrellas, aún sin fecha de rodaje. "Y tengo un proyecto muy interesante que sería el primer largometraje de Gabriel Olivares, El debut, aunque todavía está en una fase muy inicial", añade el director de fotografía que, para principios de 2010 rodará un documental sobre la figura de Miguel Hernández, con motivo del centenario de su nacimiento, para TVE.